L’anime Netflix brilla indipendentemente dal gioco da cui gira
Mentre i nomi dei suoi artisti principali e dello studio di produzione Trigger si annunciano ad alta voce in vistosi titoli di testa di Franz Ferdinand, sai più o meno cosa ti aspetta Cyberpunk: Edgerunners, lo spinoff anime del tormentato videogioco Cyberpunk 2077 C’è una divertente ridondanza nel titolo che sembra un incapsulamento dell’etica della serie: nel mondo dello show, “edgerunner” è un’altra parola per “cyberpunk”, quindi in un certo senso si chiama Cyberpunk: Cyberpunks. Questo indulgente raddoppio è indicativo di tutto questo: è Cyberpunk, ma di più. Meglio ancora: con la notevole eccezione di tutto il gergo, la conoscenza del 2077 non è un prezzo d’ingresso per Edgerunners, che si distingue da solo anche se si ripiega nei personaggi e nei concetti del gioco.
Ambientato in un anno anonimo prima del videogioco, il suo protagonista David Martinez e sua madre Gloria, oberata di lavoro, sono in fondo alla scala della città, con ogni aspetto della loro vita gravato da compensi esorbitanti. Alla fine David non ha altra scelta che entrare in contatto con una banda di mercenari – cyberpunk – dopo aver incontrato una misteriosa ma comprensiva netrunner (un hacker, in pratica) chiamata Lucy. Inizia a svolgere lavori nella speranza di creare qualcosa di se stesso e per qualcos’altro che fatica a definire. Il reciproco bisogno di ognuno di fare qualcosa di sé blocca la popolazione in cicli ripetitivi. Ma almeno in questo mondo, le persone di solito sono più oneste su come uccidono, immediate e sanguinose piuttosto che sulla lenta morte del capitalismo, che David sperimenta personalmente.
Edgerunners va all in sulla volgarità della versione finale del capitalismo di Night City, abbattendo i vari sistemi di sfruttamento che gestiscono le loro vite, dai pacchetti sanitari alle lavatrici domestiche che richiedono credito. Anche all’interno della casa, questa mercificazione si intromette e c’è anche qualcosa di divertente in un Netflix Original distopico in cui tutto nella vita è diventato un servizio in abbonamento.
Immagine: Studio Trigger/Netflix
Immagine: Studio Trigger/Netflix
Fantascienza e machismo non sono una nuova combinazione per il regista Hiroyuki Imaishi, che ha diretto Gurren Lagann e, più recentemente, il lungometraggio Promare. Ma il modo in cui lui e il suo equipaggio giocano con l’ascesa e la caduta di un leader criminale in Edgerunners è comunque distinto. E sebbene il disimballaggio della serie di questa traiettoria sia un po’ abbreviato dal numero di episodi, la sua narrazione visiva riesce a recuperare il tempo perso. C’è (a volte morboso) divertimento con i vari colpi di scena nella storia dalla sceneggiatura propulsiva di Bartosz Sztybor e Masahiko Otsuka, mentre la serie va tra lo sfruttamento violento degli anime degli anni ’80 – pensa al lavoro di Yoshiaki Kawajiri – e più serio sentimento, una combinazione simile a quella dell’enfatico atteggiamento maschilista e del genuino amore fraterno di Gurren Lagann e Promare.
Il romanticismo appare come quell’elemento di equilibrio in Edgerunners, una potenziale fuga per David basata su qualcosa di reale, persino idealistico. La violenza e la mercificazione dell’ambientazione, il caos e la bruttezza casuale così come la natura del gioco stesso suggerirebbero un punto di vista cinico. Ma nonostante tutta la loro assurdità, i lavori di Imaishi sono sempre stati spietatamente sinceri: quando un punk dagli occhi brillanti proclama che farà volare il suo interesse amoroso sulla luna, in quel momento lui e il regista lo intendono dannatamente. Tuttavia, tale sentimento diventa pericoloso e i tentativi di Lucy di tenere David fuori pericolo e i suoi corrispondenti tentativi di realizzare i suoi sogni finiscono per mettere in pericolo entrambi. Anche ancora, Imaishi e co. rifiuta il cinismo come fa il corpo umano con gli impianti cibernetici. Fa solo pungere ancora di più la tragedia dell’arco narrativo della serie.
Nonostante tutto, lo show sceglie bene dove appoggiarsi alla narrazione che solo lui può fare – appoggiandosi a molto dell’orrore psicologico di esistere nello spazio di Night City, di mettere a rischio la tua mente mentre usi potenziamenti corporei per ottenere un vantaggio sulle altre bande, mentre dà un tocco romantico sanguinante alla storia di David, e la posta in gioco reale e il peso emotivo ai frenetici scontri a fuoco in cui si getta con abbandono.
Immagine: Studio Trigger/Netflix
Immagine: Studio Trigger/Netflix
Al momento della sua uscita, Cyberpunk 2077 è stato notato per essere una versione leggermente troppo nostalgica del genere, forse non abbastanza lungimirante poiché desiderava riprodurre un ricordo dell’immagine popolare del cyberpunk. Questo e i tratti distintivi familiari dei design ispirati a Deus Ex, Blade Runner e Ghost in the Shell di Cyberpunk 2077 rimangono, ma l’identità visiva dello spettacolo è ancora del tutto propria e le idee di Studio Trigger sembrano abbastanza fantasiose per aggiornare questa impostazione condivisa . È pieno di così tanta personalità idiosincratica che sembra persino invadente quando il marchio Cyberpunk obbligatorio appare alla fine di ogni episodio. Tuttavia, è semplicemente eccitante vedere i marchi di fabbrica dello studio e di Imaishi imposti a questo mondo, come il loro caratteristico colpo a faccia a faccia, quelle inquadrature dal basso estremo di ragazzi enormi che si scontrano a vicenda prima di un combattimento. E lascia ancora spazio a note più delicate per fiorire attorno all’esagerato maschilismo, sia per il modo in cui gli scarabocchi di consistenza sul viso di David rimangono i tocchi umani più coerenti su di lui, o come la presentazione visiva di ciò che altrimenti sarebbe solo un altro in -sistema di gioco o un metro da guardare infonde a queste cose un vero significato narrativo.
A proposito, il tempo che intercorre tra l’inizio dello spettacolo e l’esplosione delle teste dei proiettili si somma solo a pochi secondi, poiché lo spettacolo inizia rumorosamente e per la maggior parte rimane così: una grandinata di proiettili e cervelli mentre Imaishi mette secchi di sangue sopra i neon . Tale violenza è immediatamente legata alla sua esplorazione di come ogni cosa – sangue e piacere allo stesso modo – viene mercificata in questo mondo: David ha visto per la prima volta acquistare e vedere i ricordi finali delle persone come snuff film (denominati “braindance”, come nel gioco) in particolare , di un “cyberpsycho” che uccide a colpi di arma da fuoco la polizia e poi muore violentemente lui stesso. Lo spettacolo scava in quell’intersezione desensibilizzante di corpi cromati e desideri carnosi, con tutti alla ricerca di stimoli costanti (spesso letteralmente, con gran parte della popolazione vista contorcersi in risposta a macchine legate all’inguine).
Con un debole per lo stile vertiginoso e iper-massimalista, il regista Imaishi e il suo staff si adattano perfettamente alla costante sovrastimolazione di Night City: fotogrammi pieni di colori ricchi, a volte travolgenti, fino al limite di essere troppo occupati per essere compresi. I creatori inquadrano le proporzioni esagerate del design dei personaggi di Yoh Yoshinari attraverso prospettive forzate e numerose inquadrature grandangolari, specialmente nelle conversazioni, eludendo le tipiche inquadrature uno-due appiattendo i volti di entrambi i partecipanti nella stessa cornice. È perfetto per il suo cast di personalità grandi e memorabili, che cercano tutte di diventare pezzi grossi nell’ambientazione di Night City, come Becca, una ragazzina con grandi pugni di metallo e pistole ancora più grandi.
Immagine: Studio Trigger/Netflix
Immagine: Studio Trigger/Netflix
Ancora più eccitante è il modo in cui Trigger immagina un nuovo linguaggio visivo per vari concetti di gioco, come il bullet time, di cui David ha il potere attraverso un prototipo di impianto militare nella sua spina dorsale. Mentre si muove alla velocità della luce, il mondo rallenta e il suo percorso viene catturato in una sequenza di immagini residue multicolori, immagini fisse di ogni precedente fotogramma di movimento sospeso nel tempo. La rappresentazione visiva del netrunning è un punto culminante particolare in quanto sintonizza il colore e il rumore del mondo, diventando uno spazio fisico attraverso il quale Lucy si intrufola. È un cyberspazio che appare come un mondo astratto di monocromatico pixelato che sembra quasi lo sfondo del video di “Guillotine” di Death Grips. All’estremità opposta di questa sensazione di potenziamento attraverso la tecnologia, l’impatto psicologico traumatizzante di queste modifiche e abilità del corpo è anche un focus visivo, poiché la “cyberpsicosi” è mostrata attraverso immagini glitch degli occhi del personaggio che si moltiplicano sullo schermo e altri modi eccitanti o addirittura inquietanti di malfunzionamento.
Non è solo lo stile per il gusto di farlo, anche se con la quantità che Edgerunners ha, è abbastanza per intrattenere. C’è forza emotiva nella sua presentazione, forse meglio rappresentata nel suo sesto episodio, “Girl on Fire”. Il regista dell’episodio Yoshiyuki Kaneko, insieme allo storyboarder e regista dell’animazione Kai Ikarashi (che ha lavorato a un episodio altrettanto elettrizzante di SSSS.Dynazenon), sfruttano l’ambizione sorprendente nel loro ritratto di una mente fratturata e del gruppo che si frammenta, e il punto di svolta emotivo della serie per l’intero cast. Insieme all’esilarante taglio rapido attraverso il caos di spari e teschi fracassati, è anche il miglior rappresentante della profondità visiva dello spettacolo anche nei suoi momenti più tranquilli.
C’è anche un’eccitante diversità sonora nella sua colonna sonora di Akira Yamaoka. Replica i ritmi EDM pesanti e oscuri del gioco, ma flirta anche con reggae e dub, dancehall, musica breakbeat dance, thrash e death metal, ognuno dei quali potrebbe scandire il prossimo momento spontaneo dell’azione. Il che significa che l’intera serie è piena di eccitanti variazioni; i suoi disegni più slanciati lasciano il posto a linee più ampie e spesse in primo piano che mantengono un senso di qualcosa di personale in mezzo a una città che ha perso la sua umanità. Quelle trame sbavate e i disegni caotici incredibilmente dettagliati che accentuano le dimensioni gigantesche di un personaggio, quei disegni intenzionalmente sporchi, mantengono una sensazione di crudezza, ricordando che si tratta di esseri umani disegnati da mani umane piuttosto che pezzi di metallo antropomorfi. Quelle stesse macchie di matita fungono anche da motivo piuttosto devastante, in particolare nell’episodio 6 – lo stesso…