Dai cartoni animati a noleggio al monolite aziendale internazionale, ogni decennio ha visto una Disney diversa
L’enorme impero moderno della Walt Disney Company è molto diverso dal piccolo studio di animazione che Walt Disney e suo fratello Roy fondarono nel 1923. Cento anni fa, i due fratelli presero un treno dalla loro città natale di Kansas City, Missouri, a Los Angeles, dove hanno lavorato nel garage dello zio prima di acquistare un minuscolo studio in Kingswell Avenue. All’inizio, i fratelli Disney realizzavano principalmente animazioni per altri studi. Fu solo quando i Walt Disney Studios stavano per perdere metà del suo staff e il suo primo personaggio di successo, Oswald the Lucky Rabbit, a causa degli Universal Studios che Walt e i suoi più fedeli animatori crearono Topolino e iniziarono a ritagliarsi un’eredità tutta loro.
Nel 2023, Disney è molto più che animazione, o anche film: sono parchi a tema, supereroi, Star Wars, Hulu, National Geographic e altro ancora. L’azienda si è espansa fino a diventare una forza dominante multimiliardaria nell’intrattenimento mondiale. Ma anche così, il nome Disney ricorda ancora l’animazione con cui l’azienda ha iniziato. Il modo in cui il mondo si sentiva riguardo a quei film d’animazione, tuttavia, è cambiato drasticamente nel secolo scorso.
All’inizio…
Immagine: Disney
Quando Walt e i suoi colleghi hanno iniziato a realizzare cortometraggi animati, l’intero campo era nuovo ed eccitante. Negli anni ’20 e ’30, l’animazione non aveva ancora sviluppato una reputazione come mezzo per bambini. Era ancora una forma d’arte molto nuova, che la rendeva un’attrazione per adulti e bambini. E poiché era così nuovo, anche l’animazione era vista come un’arte alta. I cortometraggi Silly Symphony della Disney, una serie di 75 film musicali usciti dal 1929 al 1939, hanno ricevuto notevoli elogi per la loro innovazione, in particolare l’uso del Technicolor e delle telecamere multipiano.
Il cortometraggio Flowers and Trees del 1932, che segue l’innamoramento di due alberi, è stato il primo film in Technicolor distribuito in commercio e il pubblico l’ha adorato. Film Daily lo ha esaltato come una “vera novità che promette di mettere il cartone animato su un nuovo piano di importanza”. La Disney ha continuato a superare se stessa con The Old Mill del 1937, un cortometraggio affascinante e dettagliato su un gruppo di animali che vivono in un mulino a vento fatiscente e resistono a un terribile temporale. Democrat and Chronicle ha riferito che era “bello come i vecchi maestri olandesi”.
Quindi, quando la Disney ha rilasciato il primo lungometraggio d’animazione americano (20 anni dopo il primo lungometraggio d’animazione, l’argentino El Apostol), il pubblico e la critica non si aspettavano un film per bambini. Si aspettavano arte di alto livello e la risposta critica suggerisce che Biancaneve e i sette nani hanno realizzato.
“Sig. La Disney e il suo team tecnico si sono superati”, ha scritto il critico Frank Nugent per il New York Times. “L’immagine è più che all’altezza delle aspettative. È un classico, altrettanto importante [sic] cinematograficamente come La nascita di una nazione o la nascita di Topolino. Niente di simile è stato fatto prima; e siamo già diventati abbastanza scortesi da chiedere a gran voce un bis.
Lotte in tempo di guerra
Immagine: Walt Disney Productions
Pinocchio del 1940, l’immediato successore di Biancaneve, fu rilasciato con il plauso della critica, con The Hollywood Reporter che lo definì addirittura “infinitamente superiore a Biancaneve”. Ma prima che i Walt Disney Studios potessero sfruttare appieno i suoi primi successi, la seconda guerra mondiale influenzò notevolmente la produzione dello studio e l’accoglienza dei suoi film. Fantasia e Bambi seguirono Pinocchio ricevendo una tiepida accoglienza. Fantasia, in particolare, era decisamente controversa: alcuni critici lo adoravano, mentre altri lo definivano “kitch”.
Dumbo del 1941, tuttavia, fu un successo strepitoso, in parte perché era molto più economico da realizzare rispetto agli altri film. Il personaggio è diventato così popolare che nel 1941 Time Magazine ha quasi fatto dell’elefante il “Mammifero dell’anno” – una parodia del numero annuale della rivista “Man of the Year”. (Dal 1999, è stato “Person of the Year”.) È stata redatta una copertina completa della rivista, ma i piani sono cambiati dopo l’attacco del 7 dicembre 1941 a Pearl Harbor e la rivista ha deciso di riesaminare il tono dell’anno- problema finale. Anche la Disney ha cambiato le priorità una volta che la realtà della guerra ha iniziato a farsi strada in America.
Immagine: Walt Disney Animation
Nel 1943, il 90% del lavoro della Disney come azienda era stato reindirizzato per aiutare lo sforzo bellico. La Disney ha creato insegne militari, ha realizzato video di addestramento e informativi e ha prodotto film di propaganda. Paperino si prendeva gioco di Hitler. I Sette Nani adornavano i titoli di guerra. Topolino è apparso sui poster di Remember Pearl Harbor. Sebbene lo stesso Walt fosse inizialmente riluttante a farsi coinvolgere nello sforzo bellico, secondo quanto riferito il coinvolgimento della compagnia aumentò il morale tra le truppe e sul fronte interno. L’azienda raramente riconosce questo periodo oggi, ma l’impatto è stato monumentale, affermando la Disney come una pietra miliare dell’esperienza americana.
Ma l’attenzione per film e cortometraggi legati alla guerra significava che lo studio aveva poco tempo per concentrarsi sugli sforzi creativi. La soluzione era una serie di “film in pacchetto”: cortometraggi originali raccolti in compilation di lungometraggi, come Le avventure di Ichabod e Mr. Toad e I tre caballeros. Erano alternative più economiche e veloci ai film ad alto budget e ad alta intensità di manodopera come Pinocchio e Fantasia. La maggior parte di questi film in pacchetto è rimasta lontana dagli argomenti pesanti della guerra delle altre iniziative della compagnia e si è mantenuta su una tariffa spensierata.
Il consenso dei critici sui film del pacchetto è che erano del tutto OK; perfettamente accettabile e di solito mediocre. L’elogio più alto nei rapporti dell’epoca di solito equivale a “È stato divertente”. E onestamente? Quando la gente andava al cinema nel 1943 per sfuggire alla tragedia della guerra, forse era tutto ciò di cui aveva bisogno.
Inseguendo l’età dell’oro
Immagine: Disney
Nel 1950, Cenerentola divenne il primo grande successo finanziario della Disney dai tempi di Biancaneve e, secondo alcuni critici, anche il suo primo successo artistico da allora. Molti revisori hanno utilizzato Biancaneve come punto di contatto quando hanno parlato dell’abilità artistica di Cenerentola, che ha avuto il duplice effetto di consolidare la Disney come maestro delle fiabe e di rendere Biancaneve lo standard per confronti futuri, il livello a cui la Disney doveva essere all’altezza. Durante questo periodo di tempo, i film Disney sono stati costantemente visti come un buon intrattenimento per tutte le età, anche se non così ambizioso o rivoluzionario come i film della Golden Age.
La bella addormentata nel bosco del 1959 ha avuto la peggio rispetto a Biancaneve, dal momento che è anche una fiaba su una bellissima principessa che sviene a causa di un oggetto avvelenato donatole da una strega dagli zigomi alti e poi viene rianimata da un bacio di un bellissimo Principe. Il confronto con Biancaneve ha continuato a perseguitare i film Disney praticamente fino al Rinascimento Disney, anche in recensioni altrimenti positive. Molti critici hanno indicato i film dell’età dell’oro come l’apice del successo artistico, anche se non erano beniamini della critica quando sono usciti. Tuttavia, l’attenzione della Disney per le storie familiari e la nostalgia per i suoi primi film che hanno cambiato il settore hanno mantenuto la sua reputazione positiva. La pura euforia di vedere l’animazione di lunghezza teatrale non poteva essere ignorata.
Da un obiettivo moderno, l’ossessione per Biancaneve come miglior film della Disney può sembrare un po’ dissonante. Sicuramente film come l’incredibilmente popolare Peter Pan e Alice nel Paese delle Meraviglie sono migliori di Biancaneve? Ma al momento del rilascio, quei due film in particolare sono stati esaminati per i modi in cui si sono discostati dai libri che hanno adattato. (Alcune cose non cambiano mai!) Peter Pan è andato meglio di Alice nel Paese delle Meraviglie nella sua accoglienza critica, ma una frase particolare ha iniziato a comparire nelle recensioni e a rimodellare l’immagine generale della Disney: “per i bambini”.
“[…] Se non sei troppo esigente riguardo alle immagini di Carroll e Tenniel, se sei pieno di fantasia Disney [sic] e se sceglierai un ritmo un po’ lento e irregolare, dovresti trovare questa immagine divertente”, ha scritto Bosley Crowther nella sua recensione di Alice nel Paese delle Meraviglie per il New York Times. “Soprattutto dovrebbe esserlo per i bambini, che non sono così esigenti di fedeltà come lo sono le loro mamme e i loro papà”.
Pensa ai bambini
Immagine: Disney
Per i bambini. Questo sentimento impantana ancora oggi le recensioni dei film d’animazione, specialmente da parte di critici che non sono grandi fan di qualunque film stiano scrivendo, ma devono ammettere che ha un certo fascino. (Colpevole come accusato.) Una volta che lo vedi spuntare fuori, è difficile non vederlo. A volte, anche in una recensione favorevole, il critico riconosce che il film manca di impatto emotivo o innovazione artistica e suggerisce che è destinato a spettatori meno critici ed esperti. Nel peggiore dei casi, le recensioni negative lamentano che solo i bambini possano apprezzare qualcosa di così sciocco.
Mentre la versione “Disney è per i bambini” emersa negli anni ’50 può sembrare condiscendente, non è sempre stata intesa come critica. Soprattutto negli anni ’70 e ’80, quando c’erano così pochi nuovi film per famiglie in generale, l’animazione Disney era sempre un’opzione sicura e familiare. La compagnia aveva un’eredità decennale a quel punto, quindi anche quando arrivarono concorrenti come Don Bluth Productions e Filmation, la Disney era ancora l’opzione fidata, garantita per non essere troppo spaventosa o troppo adulta per i giovani spettatori. La Disney aveva quel mercato in gran parte messo alle strette. Era quasi impossibile per gli studi più recenti competere con la lunga storia e il prestigio culturale dello studio.
Negli anni ’80, la reputazione della Disney come marchio perfettamente pulito e adatto alle famiglie era così forte da limitare ciò che la società poteva rilasciare con successo sotto lo stendardo Disney. Alcune delle versioni live-action più spigolose della compagnia, come The Black Hole del 1979, hanno avuto prestazioni inferiori. Per risolvere questo problema, l’allora CEO Ron Miller ha creato Touchstone Pictures nel 1984, dando ai film live-action più maturi dello studio la propria casa.
“Il nome Disney e la sua immagine di Topolino, famoso in tutto il mondo, sono stati veleno al botteghino negli ultimi cinque anni per gli acquirenti di biglietti delle scuole superiori e dell’università che costituiscono il segmento più ampio del…