Gli spettatori non vedono quello che ha visto il pubblico di Broadway
Nelle settimane trascorse dal momento in cui il musical dal palcoscenico allo schermo Dear Evan Hansen è stato presentato in anteprima al Toronto International Film Festival del 2021, il film ha subito l’esatto tipo di derisione pubblica che renderebbe i palmi delle mani del personaggio del titolo umidi di ansia. La piñata critica istantanea ha ispirato recensioni e una raffica di post sui social media nel tenore di una caffetteria del liceo, con un’attenzione speciale rivolta al “Aspetta, è di questo che si tratta?!” premessa e l’ottica della star di 27 anni Ben Platt che ancora interpreta il ruolo che ha avuto a Broadway, il goffo liceale Evan Hansen.
Man mano che più persone posavano gli occhi sul film, è diventato una specie di sport vedere chi poteva evocare la descrizione più creativa ed evocativa di questo bizzarro uomo-ragazzo. Alison Willmore di Vulture ha descritto “il casting di un UOMO EVIDENTEMENTE GRANDE CHE SI INCUBA SOLO LE SPALLE” come “un atto di sabotaggio che è vicino all’avanguardia” e in una voce di Letterboxd particolarmente lacerante, Esther Rosenfield ha paragonato il linguaggio del corpo di Platt a quello del vampiro simile a un topo Conte Orlok di Nosferatu.
Ci sono decine di post che riecheggiano variazioni su questi sentimenti, sollevando la questione di come qualcosa di verde da parte di Hollywood sulla base della sua grande popolarità bancabile possa essersi trasformato in uno zimbello di così alto profilo. (Un rapporto di The Wrap cita i superiori della Universal che si sentono “feriti e delusi dalla risposta precoce” al film.) Quando un successo di Broadway fa il salto sullo schermo, è perché i dirigenti hanno deciso che la proprietà è abbastanza piacevole da irretire un pubblico al di fuori della solita folla di spettatori. Il caro Evan Hansen ha rovesciato quella presunzione in modo rapido e brutale. Ma resta il fatto che questo spettacolo, con il suo fondamento nell’elevazione che afferma la vita, significa molto per molte persone. La dissonanza tra il suo travolgente successo sul palco e l’intenso contraccolpo che attualmente affronta come film ha meno a che fare con gli elementi persi nella traduzione, e più a che fare con ciò che i realizzatori hanno trovato.
Si è tentati di cancellare questa disconnessione come il prodotto di un pubblico che si autoseleziona, e suggerire che Dear Evan Hansen ha beneficiato del fatto che il suo pubblico iniziale fosse costituito dai tormentati tredicenni che potrebbero riguardare maggiormente la sua storia. (Proprio l’anno scorso, il debutto in streaming di Hamilton ha dimostrato che quando uno spettacolo attinge a una fascia demografica più ampia, affronta immediatamente una gamma più ampia di critiche.) Ma questa semplificazione eccessiva sulla popolarità di Dear Evan Hansen non tiene conto delle fonti istituzionali di approvazione: la produzione di Broadway ha vinto sei Tony, incluso quello per il miglior musical, e alcuni critici di pubblicazioni storiche lo hanno considerato un trionfo. Ma un’altra copertura ha complicato quella narrazione, con alcuni scrittori ora vendicati che sottolineano le linee di faglia nel sottotesto emotivo del musical. I suoi problemi erano presenti fin dall’inizio, ma nell’incarnazione scenica della storia sono stati prontamente ignorati o perdonati. Nella sua incarnazione cinematografica, hanno superato l’uscita ed eclissato tutto il resto.
Foto: Erika Doss/Universal Pictures
La verità è che c’è un marciume morale al centro di Dear Evan Hansen, una storia sul modo in cui il suicidio di un ragazzo dà a un altro ragazzo una ragione per vivere. Questa è la frase più generosa possibile della trama stupefacente, in cui l’introverso Evan viene coinvolto in una bugia sulla sua inventata amicizia con il suo defunto compagno di classe Connor (Colton Ryan). L’azione inizia in modo abbastanza plausibile, poiché Evan consente passivamente ai genitori in lutto di Connor (Amy Adams e Danny Pino) di interpretare male un biglietto trovato nella tasca del figlio, quindi lascia che la confusione scivoli quando vede quanto li rende felici. In poco tempo, Evan vira in un territorio disastroso, mentre inventa una storia completa di bei tempi con Connor, innesca inavvertitamente un movimento nazionale di consapevolezza della salute mentale e, cosa più riprovevole di tutte, usa la sua influenza per iniziare una storia d’amore provvisoria con il sorella del ragazzo morto, Zoe (Kaitlyn Dever).
Sebbene Evan si senta in colpa per le sue scelte al limite della patologia, consumato dal senso di colpa e dal panico una volta che sua madre (Julianne Moore) inizia a scoprire la verità, la sceneggiatura gliela nega a malapena. Dopo alcuni scatti di sguardi di disapprovazione, la famiglia a cui ha mentito praticamente se la cava, ed Evan finisce comunque con Zoe. La sceneggiatura sorvola sul fatto che Evan Hansen sia un vero mostro. Dopo aver mostrato faticosamente il suo lato vulnerabile e sensibile, la storia dà per scontato l’affetto del pubblico. I testi, del duo di cantautori Benj Pasek e Justin Paul, gli offrono conforto e redenzione. “Sarai trovato” esplode come mantra centrale dello show, come una campagna It Gets Better, riorganizzata per giovani eterosessuali depressi.
Per gli adolescenti che affrontano l’isolamento o l’alienazione, è un messaggio potente progettato per la massima catarsi. (Questo vale doppio per i giovani cinture; Evan espone l’anima sensibile che nasconde al mondo durante i numeri musicali, in grado di essere il suo sé migliore e più pieno attraverso il suo vibrato tremolante.) C’è più di un soffio di manipolazione nel modo spietato dello spettacolo induce pathos, come se partisse dall’ondata della salvezza in lacrime e da lì si facesse un reverse engineering. Le sue quasi due ore e mezza di stabilizzazione piuttosto che costruire, iniziando a tirare le corde del cuore degli spettatori dall’apertura di autocommiserazione, “Waving Through the Window” e mantenendo quella presa attraverso ogni scena successiva. Le canzoni, che operano tutte sull’unica impostazione di “impennata e inno”, tradiscono le aspirazioni dei creatori di creare sensazioni senza sosta. Con l’eccezione di una canzoncina allegra che vede Evan immaginarsi mentre suona Dance Dance Revolution con Connor, ogni traccia si sforza per un’aria di climactico. L’effetto è estenuante.
Sul palco, il pubblico può dare più margine di manovra al melodramma. È un prerequisito per un mezzo in cui le persone si esprimono spontaneamente irrompendo in una canzone. L’ambiente teatrale vende le storie strappalacrime in virtù della sua intimità e immediatezza, due aree in cui il teatro dal vivo ha la meglio sulla relativa sobrietà del cinema. Il curioso caso del drastico cambiamento di fortuna di questo spettacolo può essere attribuito in non piccola parte al passaggio formale dal palcoscenico allo schermo, e al conseguente spostamento nella sospensione dell’incredulità. Senza l’energia inebriante di un cast dal vivo a pochi passi di distanza, tutto diventa troppo chiaro per il suo bene, come essere in un club quando le luci si accendono. Nel film, il fondamento di questa storia di cinico premere i pulsanti è messo a nudo.
Foto: Erika Doss/Universal Pictures
Immagine: Universal Pictures
Questo è tutt’altro che l’unico difetto accentuato nell’adattamento. Nonostante tutte le sue idee fuori dal comune sul comportamento umano, Dear Evan Hansen di Broadway è stato presentato come una specie di musical più radicata, uno sguardo ai problemi reali che affrontano i veri ragazzi. Il film cerca di attenersi a questa base attraverso la sua mancanza di balli, sfarzo e la grandezza di scala associata a Broadway. (Si manifesta anche nella musica, che ha più in comune con il pop radiofonico più smagliante che con i bei vecchi spettacoli.) A parte quel pezzo DDR selvaggiamente frainteso, gli attori gironzolano per gli interni senza fascino della periferia al posto della coreografia , le case borghesi dell’anonima cittadina e le scuole in stile industriale prive di personalità. Ma Pasek e Paul hanno ancora bisogno dei lunatici anni dell’adolescenza di un bambino per sostenere una pesante posta in gioco narrativa, e senza l’esuberanza intrinseca del teatro, il film deve comunicare l’intensità desiderata attraverso strani mezzi alternativi.
La performance tecnicamente compiuta, altrimenti disastrosa, di Platt inizia ad avere più senso come atto di compensazione. La sua consegna venosa e strozzata mentre canta è l’unico modo in cui può trasmettere il suo tumulto interiore, lavorando contro l’inerzia legnosa della sua postura e il blocco. Allo stesso modo, il regista Stephen Chbosky (The Perks of Being a Wallflower) fatica a creare una scala sufficiente per riempire il grande schermo. Nella sua forma più banale, illustra che Evan è diventato virale lanciando una raffica di video di risposta dello smartphone attraverso un vuoto nero fino a quando non si uniscono e formano una foto di Instagram. Mentre Evan cerca accenni di bellezza nella squallida quotidianità della sua scuola – l’estetica di Chbosky potrebbe essere giustamente descritta come “la parte ‘prima’ di uno spot pubblicitario per farmaci che alterano l’umore” – il film rimane bloccato nella banalità da cui sta cercando di sfuggire.
È possibile che un imminente colpo di fortuna al botteghino getti queste diffamazioni come futili obiezioni di vecchi scontrosi che non sono in contatto con i desideri del pubblico mainstream. È così che sono andate le cose con Pasek e Paul, anche il musical di Hugh Jackman, ampiamente ridicolizzato e ancora favolosamente redditizio, The Greatest Showman. Sebbene i detrattori di quel film abbiano accusato di essere una storia vuota piena di finti sentimenti di benessere (che è quanto di più vicino a questo team di autori di canzoni arriva a un segno distintivo autoriale), ciò non ha impedito a “This Is Me” di assumere una seconda vita come base per il karaoke.
Se il cinema è, come sosteneva Roger Ebert, una macchina che genera empatia, Dear Evan Hansen è ben oliato e opera al massimo delle sue capacità. Pasek e Paul spingono la famosa metafora di Ebert al suo punto di rottura, dove inizia a suonare più come un diss che altro. Quando si fa il delicato lavoro di corteggiare la compassione, quell’efficienza meccanica incruenta lascia solo una persona che si sente esaurita e semplicemente usata.
Dear Evan Hansen è ora nelle sale.