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Lightyear esemplifica uno dei recenti temi in esecuzione della Pixar: il fallimento

Come Monsters University e Soul, Lightyear si concentra sull’accettazione della delusione come parte della vita

Il grande film estivo di Disney e Pixar Lightyear è arrivato sul servizio di streaming Disney Plus dopo aver incassato circa 120 milioni di dollari al botteghino nazionale. Questo è, al momento, il decimo più grande incasso nordamericano del 2022, rappresentando più soldi di una serie di successi tra cui The Bad Guys, The Lost City, Scream e The Black Phone. È anche, per gli standard Disney e Pixar, un fallimento.

In retrospettiva, non ha molto senso confrontare le finanze di Lightyear con la serie Toy Story che l’ha generata. Lightyear si posiziona come il film “reale” che ha reso Andy, il principale personaggio umano dei primi tre film di Toy Story, ossessionato da Buzz Lightyear. Ma l’intero affare di Toy Story si basa sull’idea che i proprietari di giocattoli potrebbero infondere loro una vita interiore ricca, fantasiosa e profondamente umana ben oltre le loro origini plastiche, il che rende l’umanizzazione di Buzz da parte di Lightyear a metà tra ridondante e obsoleta. I suoi discreti incassi sembrano anche una linea di base minima per il suo studio. Only Onward, uscito pochi giorni prima che la pandemia di COVID-19 chiudesse i cinema a livello nazionale, ha attirato meno persone verso un’ampia uscita nelle sale di un film Pixar. (Sì, The Good Dinosaur era leggermente più popolare di Lightyear.)

Allo stesso tempo, Lightyear ha un elemento insolito e avvincente: affronta preventivamente il proprio fallimento attraverso la sua trama. Il film parla principalmente di imparare ad accettare la delusione e le altre conseguenze di un errore, piuttosto che correggere o annullare eroicamente l’errore.

Buzz Lightyear in Lightyear della Pixar

Immagine: Pixar

L’attenzione di Lightyear sul fallimento è un tema che ha in comune con numerosi film Pixar dell’ultimo decennio. Durante questo periodo, lo studio è rimasto una potenza al botteghino; metà dei suoi più grandi successi in assoluto sono usciti dal 2012. Eppure ci sono crepe nella facciata dello studio, sia sotto forma di recensioni meno entusiastiche di quelle che hanno salutato quella corsa Ratatouille/WALL-E/Up della fine degli anni 2000, un la dipendenza da sequel e prequel, o dall’occasionale fallito al botteghino come The Good Dinosaur — un film stranamente interessante che è stata anche la prima produzione Pixar che sembrava fosse stata rilasciata per uscire dalla porta per una data di uscita, non perché fosse totalmente pronto.

Quindi è naturale che la predilezione del primo decennio della Pixar per i film sulla genitorialità (Toy Story, Alla ricerca di Nemo), sul talento eccezionale (Ratatouille, Cars, Monsters, Inc.) o sulla genitorialità eccezionale (Gli Incredibili) possa lasciare il posto a film che considerano fallimento e delusione oltre la battuta d’arresto del secondo atto da manuale. È più evidente in Monsters University, un prequel di Monsters, Inc. che spiega come il minuscolo mostro verde Mike (Billy Crystal) sia diventato una squadra così grande con il suo grande amico blu Sully (John Goodman). Il film è ambientato durante gli anni del college e rivela che la più grande ambizione di Mike era quella di essere un maestro della paura, affinare esattamente il tipo di abilità che viene naturale a Sully. Nel finale sorprendente del film, Mike non guida una squadra di sfavoriti sfavoriti alla vittoria e si dimostra un degno spaventapasseri da campione. Fa del suo meglio in assoluto, migliora enormemente come spaventapasseri e il suo sforzo non è ancora sufficiente per realizzare il suo sogno di una vita. Mike prende un’altra strada, trovando successo assistendo il più naturale talento Sully (e, nel film originale, alla fine trovando la sua vera vocazione facendo ridere i bambini piuttosto che urlare di paura).

In un certo senso, questo potrebbe sembrare un’estensione del scoraggiante eccezionalismo Pixar (vedi in particolare i film di Brad Bird in studio) – un avvertimento ai bambini tra il pubblico che potrebbero non avere il talento naturale necessario per avere successo. Ma il gran numero di film per bambini che offrono incessanti rassicurazioni sull’essere te stesso, sul credere in te stesso e sul raggiungimento dell’impossibile giustifica più che giustificare un correttivo più realistico, accompagnato dal corollario più confortante che la felicità non deve necessariamente dipendere dal raggiungimento di un sogno giovanile. Gran parte di Monsters University è una parodia carina ma leggera delle commedie del campus, quindi è particolarmente impressionante vedere il film lavorare verso una verità cruciale dell’esperienza del college: che le esperienze perseguite con tale virulenza in gioventù potrebbero non essere direttamente correlate al lavoro che definisce la tua vita.

Monsters University, Monsters Inc, Pixar, animazione

Monsters University Immagine: Pixar

La tensione tra le aspettative giovanili di grandezza e le realtà più sfumate della vita lavorativa “normale” alimentano anche l’Anima della Pixar. Joe (Jamie Foxx), l’eroe del film, è un insegnante di musica delle scuole medie che desidera ardentemente diventare un musicista jazz; è quel desiderio che lo spinge a trovare una via per tornare al suo corpo danneggiato quando un incidente manda la sua anima nel Grande Al di là (vale a dire, in bilico vicino alla morte). Ancora una volta, la Pixar costringe provocatoriamente un protagonista sfavorito a mettere in discussione la possibilità pratica che un grande sogno porti a un successo duraturo, questa volta in un film che discute esplicitamente se la “scintilla” di un’anima è la stessa dello scopo di quella persona nella vita. Verso la fine del film, dopo aver riacquistato il suo corpo, Joe si esibisce in uno spettacolo di successo come pianista jazz. Non fornisce immediatamente appagamento spirituale o, a un livello più pratico, lo catapulta al livello successivo come musicista professionista. Ha bisogno di guardare la sua vita in modo più olistico; il successo può ancora sembrare un fallimento se non apprezzi ciò che hai, e così via.

Come molte delle meccaniche metafisiche di Soul, le sue idee su “scintilla” e scopo sono complicate in un modo che rasenta il contorto. Sono anche in conflitto con la già citata atmosfera da grande successo della Pixar in un modo che minaccia di far sembrare il film fuori dal mondo. Presumibilmente, molti degli animatori, sceneggiatori e altri registi che lavorano a Soul stanno, infatti, vivendo il loro sogno creativo; con questo in mente, potrebbe essere più difficile accettare le loro elucubrazioni su come andare avanti nella vita con un apprezzamento dei suoi piaceri più semplici. Il pubblico più giovane che non pensa a chi fa questi film potrebbe semplicemente essere perplesso da tutta questa discussione sullo scopo della vita e sulla scintilla interiore.

Soul spesso sembra una riscrittura più disordinata di Inside Out, che è il film più chiaro e soddisfacente della Pixar per affrontare il fallimento, anche se lo fa in modo obliquo. Riley, la ragazza di 11 anni in cui si svolge gran parte del film, non sta mancando nella sua vocazione; è solo in una fase in cui nulla nella sua vita sembra andare per il verso giusto e la sua solita strategia incoraggiata dai genitori di dare una faccia felice alle sue sfide e delusioni non funziona più per lei. La tesi finale del film, che una vita piena sarà necessariamente piena sia di gioia che di tristezza, è emotivamente sofisticata e comunicata in un modo chiaro ed elegante che una vasta fascia di pubblico capirà.

joe gardner, doppiato da jamie foxx, nell'anima di pixar

Immagine: Pixar

Queste sono le vette che Lightyear non riesce a raggiungere, anche se il film ha un peso un po’ più emotivo di quanto ci si potrebbe aspettare da un’estensione del franchise che spesso sembra il risultato di un ritiro aziendale di team building. Confondendo chiunque si aspetti una grandiosa avventura galattica da un pianeta all’altro, il film parla principalmente di Buzz (Chris Evans) che ha accidentalmente bloccato una squadra di esploratori spaziali su un pianeta lontano e ostile, per poi spingersi al limite nel tentativo di correggere il suo errore . Questi tentativi si traducono in una serie di missioni di salto temporale; la vita del suo più caro amico passa, in stile Interstellar, poiché Buzz ripetutamente non riesce a raggiungere i suoi alti obiettivi. Alla fine, deve affrontare sia la sua incapacità di riparare questo danno, sia il suo desiderio implacabile di interpretare l’eroe riparatore da solo. È facile immaginare Buzz come un regista della Pixar, convinto che se continua a martellare una storia ribelle, può trasformarla in una forma piacevole per il pubblico.

Lightyear non raggiunge quella forma. Che tenti persino di affrontare qualcosa come Interstellar per bambini è sia ammirevole che, forse, un esempio di arroganza simile a Buzz. Ancora una volta, il film rispecchia lo stesso Buzz. Proprio come Buzz Lightyear riduce il senso del film di brividi di fantascienza ad alta quota trascorrendo la maggior parte del suo film lottando per riparare un errore arrogante che ha commesso all’inizio, Lightyear stesso spende molte energie cercando di creare qualcosa di emotivo e di influenzare da un idea piuttosto mercenaria per trasformare Toy Story in un secondo franchise. La cosa più interessante di Lightyear è anche ciò che lo rende vagamente insoddisfacente: per gran parte del suo tempo, sembra espiare la sua esistenza, nel disperato tentativo di dimostrare che i realizzatori possono fare magie dal franchising.

Il film si avvicina sorprendentemente al successo, persino sovvertendo la creazione di miti del bene contro il male dei film di Toy Story mettendo Buzz contro se stesso, sia in senso figurato che letterale. Alla fine, si rende conto che può andare avanti con una missione e una serie di amici che non facevano parte del suo piano iniziale. Eppure alcuni dei film della Pixar incentrati sul fallimento hanno la sensazione che gli alieni cerchino di capire i loro esseri umani inferiori, come se venissero solo a conoscenza dell’idea che le iniziative creative non sempre si traducono in consensi di critica, premi e miliardi di dollari in merchandising.

Questo ha più a che fare con l’identità collettiva dell’azienda. Nonostante i successi senza precedenti dell’azienda, quasi tutti coloro che lavorano alla Pixar hanno senza dubbio sperimentato una sorta di delusione, fallimento o battuta d’arresto a livello personale, e questi probabilmente informano i momenti della verità che colpiscono film come Lightyear o Soul, molto più spesso di quanto non facciano. fare nella maggior parte degli altri studi di animazione americani. Il risultato è una lotta molto contemporanea tra arte e branding; in Lightyear, è il marchio che prende il colpo per una volta. Ricontrolla tra qualche anno: è possibile che il fallimento di Lightyear nel diventare un acclamato successo da miliardi di dollari si trasformi nella cosa più preziosa al riguardo.

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