Cade da qualche parte tra Michel Gondry e David Lynch
Questa recensione è stata pubblicata originariamente nel gennaio 2019 dopo la prima del film al Sundance Film Festival. È stato aggiornato per riflettere l’uscita digitale virtuale del film in America.
Gli stili di alcuni registi sono così specifici che diventano facili prede della parodia. Wes Anderson ha i suoi scatti simmetrici e la sua generale twee-ness. Quentin Tarantino ha i suoi dialoghi rapidi e un gusto per la violenza estrema. E Terrence Malick ha la sua passione per l’ora magica, le mani che si muovono attraverso il grano e un senso vagamente travolgente della portata del mondo.
Koko-di Koko-da trasmette un senso dello stile così immediato e sorprendente che si è tentati di descriverlo attraverso riferimenti. Il film, dello scrittore e regista svedese Johannes Nyholm, richiama alla mente il lavoro del regista francese Michel Gondry (Eternal Sunshine of the Spotless Mind, The Science of Sleep, Kidding), poiché mescola filmati live-action con burattini e altri simili strani tocchi per esplorare le emozioni dei personaggi. Ci sono anche elementi di Lars von Trier e David Lynch in gioco, mentre il film viaggia in un territorio più difficile.
Ma Nyholm non punta al pastiche. I voli di fantasia del suo film ricordano altri registi, ma Koko-di Koko-da si libera da ogni singola associazione concreta poiché giustappone saldamente la sua stravaganza a procedimenti sempre più da incubo.
L’apertura del film dà il tono a ciò che verrà, con un trio di strane figure: l’allegro vecchio dandy Mog (Peter Belli), il golia vestito a quadri Sampo (Morad Khatchadorian) e l’inquietante Cherry (Brandy Litmanen) sfilano per i boschi con due cani, uno vivo e al seguito, l’altro morto e tra le braccia di Sampo. Forse è il comportamento di Mog, forse è il cane morto, forse è il fatto che stanno viaggiando nell’oscurità, ma c’è un’energia inquieta, quasi aggressiva in loro, che smentisce l’immagine relativamente delicata che altrimenti farebbero.
Anche la scena successiva, che è molto meno fuori dall’ordinario, è al confine tra reale e immaginario. Tobias (Leif Edlund Johansson) ed Elin (Ylva Gallon) hanno portato in vacanza la loro giovane figlia Maja (Katarina Jacobson). Mentre si siedono in un ristorante, le loro facce dipinte come conigli senza una ragione apparente, il loro pasto viene interrotto da una coppia di artisti (Stine Bruun e Martin Knudsen) il cui shtick cade a metà strada tra il clown e Punch e Judy. L’interazione non dura a lungo, ma è abbastanza stridente da prevenire anche il più debole senso di compiacimento su ciò che accadrà dopo.
La maggior parte del Koko-di Koko-da si svolge alcuni anni dopo, mentre Tobias ed Elin intraprendono un altro viaggio, ma in circostanze molto diverse. Quando si accampano nei boschi, finiscono nel mirino di Mog, Sampo e Cherry. Quello che segue è uscito direttamente dal playbook di Groundhog Day: l’incontro tra loro, che avviene in quello strano spazio liminale tra la notte e il mattino, si ripete più e più volte. Gli eventi circolari sarebbero simili a un sogno, tranne per il fatto che il trio di esseri soprannaturali sono aggressori costanti. Mentre Tobias ed Elin sopportano una serie di tormenti, diventano lentamente consapevoli che devono trovare un metodo di fuga.
Un misterioso trio. Per gentile concessione del Sundance Institute
La cosa su cui stanno cercando di elaborare, tuttavia, non è in realtà un attacco soprannaturale: è dolore. L’emozione è al centro della scena in Koko-di Koko-da, che implicitamente funziona attraverso i modi in cui il dolore emotivo può distorcere le persone e quanto possa sembrare impossibile da superare. E sebbene sia efficace nel comunicare terrore e orrore, il dolore è lo strumento più potente nel kit di Nyholm.
Man mano che il film si svolge, le scene chiave avvengono attraverso l’uso di pupazzi d’ombra, che sembrano essere esclusivamente per lo spettatore, fino a quando non diventano anche parte del mondo fisico del film. Per quanto semplici siano, sono devastanti da guardare, soprattutto perché si scontrano con Tobias ed Elin che si dibattono fin troppo facilmente quando si tratta di affrontare la perdita.
Il grado in cui Nyholm attinge alle emozioni che sta cercando di trasmettere aiuta a dare corpo a un film che altrimenti sarebbe un po ‘magro, anche dato il suo breve periodo. In alcuni punti, c’è un senso di squilibrio, poiché a Johansson viene dato più da fare rispetto a Gallon; Elin è relegata ad essere una passeggera per una parte del film, anche se quando finalmente riesce a cogliere un po ‘di agenzia, ha un effetto straordinario. Ma per la maggior parte, la magrezza della storia serve bene. Non c’è bisogno di addentrarsi in complicate spiegazioni su cosa sta succedendo o perché – le emozioni sono astratte nel migliore dei casi, comunque.
Koko-di Koko-da è pieno di elementi fantastici, ma non è definito da loro, e in combinazione con quanto sia straziante e inquietante in alcuni punti, il film cresce in qualcosa che non può essere definito in termini di genere o lavori simili. Nyholm sospende il tempo e lo spazio nella sua illustrazione del lutto, virando tra il sogno (Mog, Sampo e Cherry appaiono anche come cartoni animati su un carillon rotante a un certo punto) e l’incubo. (L’assalto dei grotteschi a Elin è sempre spiacevole, sessualmente carico.) Gli inevitabili paragoni con Gondry, von Trier o Lynch servono solo come segnali stradali, aiutandoci a sottolineare il distinto senso dello stile di Nyholm.
Koko-di Koko-da uscirà nei cinema virtuali in streaming il 6 novembre e arriverà su VOD l’8 dicembre.