Parla delle scelte e dei segreti del film e di ciò che Karen Gillan e Aaron Paul hanno imparato dagli altri suoi film
Dual di Riley Stearns è esattamente il tipo di film indipendente che i fan della fantascienza riflessiva cercano sempre: una visione fortemente idiosincratica di un mondo completamente nuovo. Karen Gillan di Guardiani della Galassia interpreta Sarah, una donna che accetta di clonarsi quando le viene detto che sta morendo di una malattia incurabile. Il clone dovrebbe prendere il suo posto: come le dice cinicamente un rappresentante della compagnia di clonazione, sta pagando per assicurarsi che i suoi amici e la sua famiglia non debbano essere tristi quando morirà.
Ma poi la sua condizione fatale si inverte e all’improvviso deve convivere e sostenere il clone, che ha rubato il suo ragazzo, ha conquistato sua madre e generalmente sta facendo un lavoro migliore di Sarah rispetto a Sarah. Legalmente, il clone non può essere distrutto, anche se non è più necessario, e a Sarah viene detto che dovrà combatterlo fino alla morte per il suo posto nella società. Non abituata alla violenza omicida, Sarah si rivolge all’allenatore Trent (Aaron Paul di Breaking Bad) per insegnarle a uccidere.
Dual solleva molte grandi e interessanti domande sulla società e sull’umanità, ma alcune di esse sono state oscurate dallo stile di recitazione nel film: i personaggi sono così impassibili da sembrare impassibili e dicono le cose più oltraggiose senza svelare come si sentono a riguardo. È uno stile familiare dal film precedente di Stearns, dalla commedia avvincente e sovversiva L’arte dell’autodifesa e, in misura minore, dal suo fantastico primo film, Difetti. Ma in Dual, sembrava sorprendere gli spettatori: anche i critici che hanno apprezzato e lodato il film hanno definito le performance “eccentriche, troppo letterali e con la schiena rigida” o “quasi roboticamente insensibili, artificialmente truccate”. I critici a cui non è piaciuto il film sono stati meno gentili.
Viaggio247 si è seduto per parlare con Stearns di quelle performance calcolate, di come il suo film si inserisce nell’improvviso boom dei film multiverso e dei segreti che le persone non riescono a vedere sul mondo di Dual.
Questa intervista è stata modificata per concisione e chiarezza.
Foto: RLJE Films
Una delle cose più divisive del film è stata l’insolita ed esagerata mancanza di affetto dei personaggi. Perché hai disegnato il film in questo modo?
Riley Stearns: Mi piace la consegna […] Qualcuno può dire qualcosa di folle, e poi se non lo dici come se fosse uno scherzo, penso che sia più divertente. Penso che quel tipo di consegna funzioni solo con i dialoghi che tendo a scrivere. Entrando un po’ più a fondo, il mondo stesso è stilizzato e stiamo già creando questo spazio stilizzato in cui tutti possono vivere. Se le persone parlassero in modo normale, virgolette-non virgolette, penso che in realtà danneggerebbe il mondo stiamo creando. Non credo che qualcuno potrebbe entrare in un film come il mio e parlare normalmente e inserirsi nel contesto di quel mondo. Il [absurdity] informa il dialogo, il dialogo informa il mondo. Tutto funziona in tandem.
Com’è lavorare per portare attori esperti come Karen Gillan e Aaron Paul nella modalità in cui li volevi qui?
Aaron e Karen, fortunatamente, ora sono al punto in cui ho dei film che possono tornare indietro e guardare. Karen e Aaron avevano già visto Faults e The Art of Self-Defense, quindi sono stati in grado di attingere a dove probabilmente stavo andando, prima ancora che dovessi avere una conversazione con loro. Ma penso che questo film sia in qualche modo diverso da quei due film, e abbiamo parlato di queste differenze e delle sottigliezze nella consegna.
Mostra solo che tipo di persona sono che inizialmente pensavo che Dual fosse più radicato di The Art of Self-Defense. Trovo che le persone trovino questo film ancora più alienante in qualche modo, il che è così interessante. Dimostra solo che il mio cervello forse funziona in modo leggermente più diverso di quanto mi renda conto a volte. Non ho mai voluto che le persone si sentissero come se questi personaggi non fossero persone reali, ma volevo quella disconnessione in termini di emotività e connessione.
Quindi sì, è interessante per loro entrare nello spazio, ma erano pienamente presenti e disposti ad andarci. E sono persone così talentuose che, anche se sono abituate a fare qualcosa in un certo modo, possono inserire un tono o uno stile nel momento in cui ne hanno bisogno, e si sono impegnati pienamente.
Molti dei tuoi personaggi sembrano provare una rabbia profonda che esprimono attraverso le scelte invece che attraverso le loro voci o volti. Pensi che sia più efficace per una storia avere persone che canalizzano la rabbia in questi modi sovvertiti e clandestini?
Sento che c’è rabbia in Faults, dal punto di vista di Ansel, che la vita non è andata come voleva che andasse e che, nonostante i suoi migliori sforzi, continua a batterlo. E c’è un’esplosione in questo, in termini di risposta. In Self-Defense, sento che Casey non ha davvero rabbia, ha solo questo desiderio di appartenere e di sentire che si connette con le altre persone.
E in questo film, sento che la nostra protagonista Sarah si è arresa e forse non ci sta provando – è semplicemente caduta in questo stile di vita confortevole che forse non la spinge. Quindi sento che tutti prendono vita da prospettive diverse, ma sento che tutti vogliono cose simili, cioè che le cose funzionino meglio per loro. Quindi non so se penso alla rabbia di tutto questo. È interessante notare che è qualcosa che hai raccolto da esso, che fa parte del divertimento di guardare l’arte, leggere, ascoltare musica: abbiamo tutti connessioni diverse con esso. Ma almeno è da lì che arrivano quei personaggi per me.
Foto: RLJE Films
I pochi momenti in cui rompi lo stile impassibile accadono spesso nelle auto. È quasi una gag ricorrente per i personaggi mostrare forti emozioni quando guidano. Che ne dici delle auto per te abbatte le persone emotivamente?
La risposta davvero semplice è che sento che è uno spazio in cui molti di noi hanno momenti emotivi. Al lavoro oa scuola o altro, forse non puoi mostrare alcun segno di emozione intorno ai tuoi colleghi. Penso che ci sia un certo senso di sicurezza all’interno delle nostre auto. Il film tende a concentrarsi sui minimi dettagli e sui piccoli fastidi nelle nostre vite, e su come tutte quelle cose minori possono costruire per la domanda più grande di Mi piace la mia vita? Mi sento come se stessi dando abbastanza o ricevendo abbastanza da esso? Andando con quella cosa minore, molti di noi tendono a trovare sicurezza all’interno del nostro veicolo.
So di aver avuto momenti del genere. Ricordo un momento in cui sono crollato mentre guidavo al ritmo di una canzone di Robyn, un numero di ballo allegro. Ho appena avuto questa pausa emotiva nel bel mezzo dell’ascolto di una canzone che amo davvero e da cui traggo molta positività. Ricordo di averlo cronometrato e di aver detto “Potrebbe essere uno spazio interessante per avere un guasto”. E poi è apparso alcune volte in altre parti del film. Non ci sono molti momenti in questo film in cui le persone possono abbracciare pienamente come si sentono. Quello e il gruppo di supporto dei cloni verso la fine del film erano due spazi in cui sentivo che era sicuro avventurarmi in uno spazio leggermente diverso per un momento, quindi tornare al mondo in cui stavamo vivendo.
Stiamo vivendo un grande momento in questo momento con storie di fantascienza su multiversi e possibilità alternative, da Into the Spider-Verse a Everything Everywhere All At Once a What If…? al dottor Strange nel multiverso della follia. Questo film è un altro su qualcuno che affronta i percorsi alternativi che avrebbe potuto prendere. Vedi questo film come parte di un movimento o di una tendenza?
Non lo considero necessariamente direttamente correlato a quei film. Ma penso che sia qualcosa che viene dalla nostra esperienza condivisa, post-COVID e post-lockdown. […] Ho scritto questo film nel 2018 e mi è venuta l’idea iniziale alla fine del 2016, quindi era molto pre-COVID. Ma penso che uscire da COVID – onestamente, ero così nel mezzo quando stavamo girando questo film.
L’abbiamo girato nel 2020. È stato uno dei primi film indietro, per non parlare di uno dei primi indie [to return to production]. Sento che era impossibile uscire da quell’esperienza e quella disconnessione dalle altre persone e quella sensazione di solitudine. Penso che sia impossibile che quelle esperienze non si manifestino nel modo in cui ho diretto, o nel modo in cui si sente il film, anche se la sceneggiatura è rimasta la stessa dal 2018 al 2020. Persone come mia sorella lo sono: è una di quelle persone che ha perso il lavoro [during the quarantines] e ha deciso di reinventarsi, e sta tornando a scuola e sta cercando di lavorare per qualcosa di più di quello che aveva prima.
L’effetto speciale di Karen nel suo doppio ruolo è perfetto. Era un problema tecnologico importante? Siamo arrivati al punto con i media digitali in cui è facile fare qualcosa di così visivamente perfetto?
Tanto di cappello al nostro team VFX. È una compagnia canadese che è stata coinvolta e l’ha assolutamente uccisa. Quello che volevamo davvero fare era, come hai detto, una sorta di integrazione senza soluzione di continuità. Non ho mai voluto richiamare troppa attenzione su di esso. Le volte in cui abbiamo Karen di fronte a se stessa, volevo che si sentissero reali, invece di essere un effetto. So che è una risposta molto ottusa ed esagerata: “Volevamo solo sembrare reali”, ma parte di ciò non era esagerare.
Quindi fare una panoramica della telecamera per dare un senso di movimento come un personaggio è entrare e uscire dall’inquadratura, e fargli sentire come se fossero davvero in una stanza insieme, e avere il loro audio abbinato e tracciato con loro, è tutta roba molto calcolata. Non è necessariamente una cosa facile da fare, ma abbiamo utilizzato telecamere di controllo del movimento, che ti consentono di ricreare un movimento della telecamera perfettamente, ogni volta che ne hai bisogno, al pixel. E così fare uno schermo diviso è molto più facile per gli artisti degli effetti visivi alla fine del lavoro per abbinare due inquadrature insieme.
Mentirei se dicessi che sapevo come farlo andando avanti. Ho imparato molto durante la regia: la cosa più importante per me era sapere come programmare in modo efficiente le mosse della nostra telecamera e programmare Karen per andare al trucco e ai capelli per passare all’altro personaggio. Perché ogni volta che lo fai, perdi 30 minuti di quel personaggio andando ad acconciare, truccando, costumi e tornando e dovendo resettare…