È un film appassionato, pieno di spunti di canzoni del passato e uno stile esagerato, ma funziona contro se stesso in molti modi
Edgar Wright è un artista perennemente legato alle vibrazioni, ma raramente questo significa una perdita di sostanza. E in Last Night in Soho, un film di Wright parzialmente ambientato negli anni ’60, le vibrazioni sono una miriade. C’è la colonna sonora del karaoke, con brani contemporanei di Sandie Shaw, Dusty Springfield, The Kinks e John Barry. C’è la splendida haute couture della costumista Odile Dicks-Mireaux, i suoi impermeabili in PVC bianco e gli abiti da ballo rosa bubblegum che evocano il meglio dello stile anni Sessanta, tratto dalle eroine di Mario Bava e Michelangelo Antonioni. E lo stesso Wright porta in tavola la sua conoscenza enciclopedica del cinema, come è diventata la sua firma registica, con un buffet di punti di riferimento cinematografici degli anni ’60.
I più brizzolati apologeti di Wright tra noi sanno che ha fatto questo genere di cose sin dalla serie TV Spaced, una delle più grandi satire degli anni ’90. Ma Shaun of the Dead del 2004 ha dato alla sua sensibilità stilistica una piattaforma internazionale. Non è solo una commedia romantica sincera e gloriosamente realizzata nella vena di Richard Curtis di Notting Hill e Four Weddings. È un’introduzione cinematografica allo stile roboante di Wright sul grande schermo. Pensa: il suo montaggio frenetico e frenetico, il montaggio di montature di mezzo secondo e zoom incredibili; montaggi frenetici, spesso sincronizzati ritmicamente con una colonna sonora di karaoke; evocazione di genere apertamente stilizzata. Questo tono esagerato sanguina nel senso dell’umorismo di Wright, ad esempio quando Ed (Nick Frost) grida la famosa frase di La notte dei morti viventi “Stiamo venendo a prenderti, Barbara!” nel tentativo di rassicurare la madre del suo migliore amico.
Pochi registi contemporanei sono così metonimici nei loro stili colti. Come con Martin Scorsese, Quentin Tarantino o, gulp, Michael Bay, quando ascolti “Edgar Wright”, tendi a sapere cosa ti aspetta. Last Night in Soho difficilmente si discosta dalla norma wrightiana attesa. È una festa per i sensi cineasta, piena zeppa di punti di riferimento dal giallo esperto Dario Argento ai film dell’Hammer Horror intrisi di sciroppo di sangue degli anni ’60. Quasi ogni scatto è inondato di blu neon e rossi profondi. Soho è una fantasia colorata che taglia consapevolmente il tessuto nostalgico dell’horror classico.
Foto: caratteristiche di messa a fuoco
Qui, Wright è visivamente in debito con Suspiria di Argento come lo è con Repulsione di Roman Polanski, anche se quest’ultimo potrebbe spiegare in qualche modo alcuni dei difetti più profondi del film riguardo alla presentazione della violenza di genere. Il trucco di genere del film è nuovo per Wright, che in precedenza non aveva mai centrato un film su personaggi femminili. Ma questa storia converge su due di loro: la precoce e timida studentessa di moda Ellie (Thomasin McKenzie) nel presente, e l’audace aspirante star di una sala da ballo Sandie (Anya Taylor-Joy) negli anni ’60.
Il primo atto contiene alcuni dei migliori lavori di Wright e la sequenza di apertura è una meraviglia. Ellie balla intorno alla sua casa in un elaborato abito da ballo fatto di giornale su “Un mondo senza amore” di Peter e Gordon, in una scena che parla della profonda nostalgia di Ellie, della sua povertà e della sua creatività allo stesso tempo. È anche un promemoria dell’affinità di Wright per le gocce d’ago. Anche prima che la realtà si distorca, questa è una giovane donna profondamente investita nel passato: non in un modo odioso, “nata nel decennio sbagliato”, ma dimostrativa di un trauma così potente che epoche lontane diventano un balsamo per evadere.
Ellie lascia rapidamente la sua riparata cittadina rurale britannica per iniziare il lungo viaggio verso Londra, con un giradischi e una valigia di vinili al seguito. Londra è decisamente mitica per una ragazzina dagli occhi pieni di rugiada come Ellie: il grande fumo respira con secoli di sogni. L’aspirazionismo è uno dei temi impliciti di Last Night in Soho, in particolare il desiderio di lasciare un segno nel mondo e lasciare un’eredità dietro di sé. Quale posto migliore, quindi, per collocare la storia di Ellie della concreta capsula del tempo di Londra, dove miriadi di speranze sono state realizzate e le eredità sono incise nelle ossa delle armature e nei piedistalli di marmo della città?
Dirigendosi verso la sua residenza, Ellie riceve la sua prima lezione a Londra da un tassista sarcastico. “Sei un modello?” chiede, praticamente salivando. Per la prima volta, vede le imperfezioni insidiose nella sua fantasia, dai tassisti perversi ai coetanei prepotenti. Quest’ultimo gruppo ruota attorno alla compagna di stanza profondamente insicura di Ellie, Jocasta (Synnove Karlsen), una fusione di tutti i tropi de Il diavolo veste Prada sotto il sole. Wright ama leggere le battute in modo scattante e le sue sceneggiature sono sempre piene di battute intelligenti. A Karlsen viene dato il meglio del film: “Ho provato a svapare”, dice, preparando una sigaretta, “ma ti fa sembrare una fica”.
Quando Ellie lascia il dormitorio per stare in un monolocale in Goodge Street (lasciando da parte la realtà di un ragazzino povero con una borsa di studio che può permettersi l’affitto esorbitante del quartiere) il flair-meter stilistico di Wright spara a 110. Saltando nel letto, addormentato dai suoi vinili, Ellie è trascinata nel passato, emergendo a Leicester Square. Un grandioso tendone Thunderball suggerisce che sia il 1965, in particolare l’anno della Repulsione.
Foto: caratteristiche di messa a fuoco
Gli archi di apertura di “You’re My World” di Cilla Black suonano stranamente simili alla famosa colonna sonora di Psycho: più adatti a un film horror, forse, che a una romantica ballata pop. La passione di Wright per le gocce d’ago emerge di nuovo, mentre Ellie ascolta questa canzone mentre entra nel passato. Il fascino inebriante e disperato dei testi di Black si giustappone stranamente allo stridente stridore delle note di apertura della canzone. E, a quanto pare, la stessa Black sta eseguendo la canzone all’interno della scena, per una folla adorante di smoking e abiti. Le immagini sono oniriche, un prodotto delle fantasie nostalgiche più profonde di Ellie – e apparentemente anche di Wright.
Questo è solo un esempio di come l’inclinazione di Wright per la musica pop si manifesti a Soho. La colonna sonora è la più orecchiabile e vibrante della sua filmografia, anche più di Baby Driver, che è un botto da parete a parete. Da un lato, usa tracce iconiche degli anni ’60 per enfatizzare la fantasia del film: come stabilisce quella scena di apertura, uno dei motivi per cui Ellie è così legata al passato è la sua adorazione per la musica.
E colloca anche il pubblico nell’era. Come con Baby Driver, alcune delle canzoni sono cruciali, consapevolmente sul naso: subito dopo che Soho ha preso una svolta più esplicitamente soprannaturale, ad esempio, “There’s a Ghost in My House” di R. Dean Taylor viene imbeccata. È piacevolmente orecchiabile, ma più che tematicamente pertinente. E poiché l’uso di “BABY” di Carla Thomas si riferisce all’omonimo protagonista in Driver, una scena nell’atto finale di Soho vede Ellie con una serenata con un’interpretazione dell’enfatico battitore di piedi di Barry Ryan “Eloise”.
Alcuni dei numeri successivi, mentre Soho cambia tono in qualcosa di completamente più oscuro, portano una terribile ironia. Quando Sandie viene spinta a recitare in uno spettacolo teatrale osceno, truccata come una marionetta, balla in modo suggestivo sulla melodia campy in stile cabaret di Sandie Shaw “Puppet on a String”. (Parlando della sua natura, è stato il primo vincitore dell’Eurovision nel Regno Unito, nel 1967.) In un’altra sovversione wrightiana, la stupidità della canzone diventa tragedia, mentre i tentativi di Sandie di diventare una celebrità si dirigono verso una direzione oscura.
Usare una canzone così iconica per sostenere il suo tumulto emotivo è un’abile scelta registica che punta anche alla presunzione più avvincente di Soho. La carriera di Wright è stata segnata e legata a un’adorazione per il passato culturale. Ma qui combatte l’impulso, con il messaggio che la nostalgia è solo un paio di occhiali colorati di rosa, che oscurano realtà più oscure nascoste sotto la superficie sfarzosa.
Foto: caratteristiche di messa a fuoco
C’è molto da bilanciare a Soho, però, e Wright non ha sempre successo. I suoi film precedenti sono tutt’altro che vacui, ma sono relativamente irrilevanti. C’è la commedia sugli zombi, l’amico poliziotto/omicidio, l’omaggio agli ultracorpi, il pastiche dei supereroi e il film di rapina. (Che potrebbe essere il suo coronamento, a parte lo sfortunato casting dei presunti criminali sessuali Kevin Spacey e Jamie Foxx.) Wright potrebbe aver voluto fare qualcosa di significativo con la sua prima protagonista donna, ma Soho ha a che fare con temi molto più pesanti rispetto a tutti i suoi predecessori: violenze sessuali abietta, psicopatia, suicidio e depressione, memoria e trauma.
Mentre mantiene il suo sfarzo stilistico e lo sfarzo – quella destrezza estetica che i suoi fan si aspettano – i personaggi, la trama e i temi detti pesanti, sono sottili sulla pagina nell’atto finale. Ellie è priva di arbitrio, il suo stato mentale irregolare sempre più evocativo di quello di Carol in Repulsion. Incarna l’istrionismo che caratterizzava le donne del classico giallo horror, in un esempio stridente dell’affinità di Wright per l’omaggio. Un motivo in cui vede la madre morta negli specchi non è completamente realizzato, il che serve inavvertitamente a banalizzare il suo trauma mentale.
In una scena in stile Hammer, l’aperta stilizzazione di Wright esplode in un caleidoscopico fungo atomico di vistose evocazioni di genere. Gli occhi di una vittima si riflettono nella lama di un coltello alzato e la salsa di fragole viene lanciata ovunque mentre l’arma scende ripetutamente. Mentre Soho rimane una festa per i sensi fino alla fine, inquadrare la violenza sessuale in corso in modo così strumentale rischia la superficialità, anche quando evoca consapevolmente il giallo, in particolare Blood and Black Lace di Mario Bava.
A livello centrale, come studio delle inclinazioni nostalgiche di Wright, Soho è un affascinante oggetto culturale. Ha dimostrato interesse per la fragilità della nostalgia nei lavori precedenti. In Hot Fuzz e The World’s End, i personaggi sono obbligati e puniti per la nostalgia irrealistica. Stilisticamente, però, è sempre stato incline all’omaggio, risalendo ancora a Spaced, con la sua miriade di riferimenti visivi e testuali a Hollywood e al cinema più esoterico. L’omaggio in sé è adiacente alla nostalgia: è la celebrazione, nel caso di Wright, degli stili e dell’estetica del passato, e l’amore profondo e malinconico per il cinema vecchio di decenni traspare dalla sua filmografia.
Soho sembra l’interrogativo più esplicito di Wright sui propri impulsi sentimentali e, allo stesso tempo, il suo lavoro stilisticamente più grandioso. Ma al centro di questa storia c’è anche lo sfruttamento violento e spaventoso delle donne. Questo è certamente Edgar Wright al suo Edgar Wright-iest, ma anche se sta discutendo contro la celebrazione del passato in Last Night in Soho, lo sta celebrando lui stesso, in modi a cui è difficile sfuggire e, a volte, ancora più difficile da godersi.
Last Night in Soho esce nelle sale il 29 ottobre.